Schlagwort: Kunst

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FATIMAH HOSSAINI, Schönheit im Exil

FATIMAH HOSSAINI, Schönheit im Exil

September 2023
Pearl In The Oyster #10 © Fatimah Hossaini

Könnten Sie uns zunächst etwas über sich und Ihre fotografischen Anfänge erzählen?

Um mich zu kennen, muss man verstehen, wo alles begann.

Meine Großeltern mussten 1918 während des Sowjetkrieges Afghanistan in den Iran fliehen. Auch wenn ich zu der Generation von Afghanen gehöre, die im Iran geboren wurden, kann ich keine Iranerin sein, diese Zugehörigkeit wirs über das Blut übertragen.

Pear In The Oyster #5 © Fatimah Hossaini

Mit 14 Jahren war meine erste Beziehung zur Kunst die der Malerei, für die ich Unterricht nahm. Obwohl Kunst für mich eine ernste Sache war, glaubte ich nicht, dass sie mein Leben verändern könnte. Als ich jedoch in der Schule mit Mathematik begann, wollten meine Eltern, dass ich Ingenieur werde. Also begann ich vier Jahre lang Ingenieurwissenschaften zu studieren: die schlimmsten Jahre meines Lebens! Im letzten Jahr begann ich, Fotounterricht zu nehmen. Diese Unterstützung ermöglichte es mir, schneller zu sein als beim Malen, um das gewünschte Ergebnis besser einzufangen. Nach diesen Kursen und vielen Schwierigkeiten, insbesondere mit meiner Familie, erhielt ich ein Stipendium an der Universität von Teheran.

Ich habe ein zweites Bachelorstudium begonnen. Ich war die gescheiterte Ingenieurin, die mit der Fotografie von Grund auf angefangen hat. Das war eine große Sache für mich und meine Familie. Ich bin das erste Kind in einer Familie im Nahen Osten: Können Sie sich das vorstellen? Anschließend arbeitete ich in iranischen Werkstätten, stellte meine Arbeiten aus und beschloss dann, nach meinem Abschluss nach Afghanistan zurückzukehren.

Pearl In The Oyster #32 © Fatimah Hossaini

Nach meinem dritten Aufenthalt in Kabul beschloss ich, mich dort niederzulassen. Ich begann an der Universität Kabul im Fachbereich Fotografie zu unterrichten. Nach dem Bürgerkrieg in Afghanistan war das Niveau zwischen den Universitäten Kabuls und Teherans sehr ungleich. Gleichzeitig gründete ich meine Organisation, die Mastooraat Art Organization for Women and Art, mit dem Ziel, Frauen durch Kunst und Fotografie zu stärken.

Die Vorstellung, eine Frau zu sein, ist so schön.

Was Ihren Verein betrifft, möchten wir Sie fragen, welche Bedeutung Frauen in Ihrem Leben und Ihrer Arbeit haben.

Für mich ist das aufgrund meiner Geschichte und meiner Herkunft sehr wichtig. Wenn wir in Paris sehen, wie Frauen Entscheidungspositionen einnehmen, kann ich nur träumen, dass es in Afghanistan eines Tages genauso sein wird, auch wenn es ein Jahrhundert dauern wird. Das Konzept der Frau ist so schön. Wenn ich an Afghanistan denke, dann immer wegen der Männer. Sie begannen Kriege, aber die Opfer waren immer Frauen. Wenn es in einem Land nie Frieden gibt, liegt das immer an respektlosem Verhalten gegenüber Frauen.

Wenn es in einem Land nie Frieden gibt, liegt das immer an respektlosem Verhalten gegenüber Frauen.

Pearl In The Oyster #11 © Fatimah Hossaini

Als ich in Teheran war, hatte ich kein klares Bild von Frauen in Afghanistan, und so startete ich „Beauty and War“, ein Fotoprojekt, das ich unbedingt machen wollte. Meine Schwester und meiner Mutter waren die ersten afghanischen Frau, die ich fotografierte. Bei meiner Recherche habe ich nur stereotype Fotos und Bilder von Afghanistan gefunden. Als ich dort war, wurde mir klar, wie bunt und schön dieses Land war, aber dass niemand darüber sprach. Ich denke, dass Bilder, wie Fotos, manchmal stärker sind als Worte; in Wirklichkeit war es auch eine Möglichkeit, meine Gefühle auszudrücken.

In Kabul habe ich echte Freundschaften geschlossen, die es mir ermöglichten, diese Frauen zu bitten, ihre Fotos zu machen. Ich denke, wir haben eine sehr klare und ehrliche Perspektive, wenn eine Frau vor uns steht. Als Afghanin habe ich die gleichen Schwierigkeiten durchgemacht wie diese Frauen, was es mir ermöglicht, sie besser zu verstehen.

Als Afghanin habe ich die gleichen Schwierigkeiten durchgemacht wie diese Frauen, was es mir ermöglicht, sie besser zu verstehen.

Pearl In The Oyster #8 © Fatimah Hossaini

Wie haben Sie es vermieden, in die Dokumentarfotografie zu geraten?

Einige meiner Fotos sind natürlich und spontan, aber in Wirklichkeit ist meine Arbeit eine Mischung aus inszenierter und natürlicher Fotografie.

Meine Arbeit ist nicht real, aber gleichzeitig ist sie es auch. Diese Frauen sind echt, die Displays, die Textilien, alles ist echt. Wenn ich mir jedoch diese Geschäfte auf den Straßen von Kabul anschaute, war es immer die Geschichte der Frauen und der von Frauenhand gefertigten Gegenstände, die ich sehen konnte, auch wenn alle Käufer Männer waren. In Afghanistan müßte mir als Frau mein Bruder oder mein Mann die Dinge kaufen , die ich wollte, wie zum Beispiel die Stoffe an diesen Ständen. Frauen stellen die Textilien her, Männer kaufen sie für die Frauen. Das Fotografieren von Frauen vor diesen Geschäften ist inszeniert. Für einen Moment erwachte die Szene dank meiner Vorstellungskraft zum Leben und wurde real.

Pearl In The Oyster #18 © Fatimah Hossaini

Ist es schwierig, über das Thema Frauen in Afghanistan zu sprechen?

Nach dem Bürgerkrieg wurde uns in Afghanistan vieles genommen, auch Buntes und Positives aus unserem Erbe und unserer Geschichte. In einem anderen Projekt können wir prächtige Textilien und Schmuck sehen, dabei handelt es sich um von Frauen gefertigte historische Stücke. Frauen haben kulturelles Erbe geschaffen, es ist auch eine Frauengeschichte. Als sie vor meiner Kamera posierten, herrschte Scham, das Ergebnis eines bestimmten Verhaltenskodex, den ich in Afghanistan kennengelernt habe. Die Gesellschaft erlegt uns viele Einschränkungen auf, die ich auch in meinem eigenen Leben erlebt habe. Ich habe einen sehr religiösen und traditionellen Hintergrund; Daher fällt es mir immer noch nicht leicht, mich vor der Kamera zu offenbaren. Ich fühle mich immer noch nicht wohl mit meinem Körper.

Frauen schufen kulturelles Erbe,
Es ist auch eine Frauengeschichte.

Fahima Mirzaee © Fatimah Hossaini

Afghanistan ist ein Staat der Männer. Bei meinen Fotoprojekten hatte ich große Probleme damit, die Fotos dieser Frauen zu veröffentlichen, selbst während ich mit ihnen redete. Vor der Kamera zu stehen ist für diese Frauen schon sehr kompliziert.

Indem ich die Geschichten dieser Frauen erzähle, indem ich diese unerzählten Geschichten erzähle, kann ich ihnen eine Stimme geben. Als Künstlerin und Aktivistin glaube ich, dass ich die Verantwortung habe, die in meinen Fotografien festgehaltenen Geschichten zu erzählen. Das Leben der Frauen wurde von den Taliban zum Schweigen gebracht, aber ich habe zumindest diese letzten Jahre der Freiheit eingefangen.

Indem ich die Geschichten dieser Frauen erzähle, indem ich unerzählte Geschichten erzähle, kann ich ihnen eine Stimme geben.

Pearl in the Oyster © Fatimah Hossaini

Ich bereue es. Wenn ich mehr Zeit und Freiheit gehabt hätte, hätte ich mehr tun können.

Warum haben Sie sich entschieden, diese Frauen durch Porträts darzustellen?

Die Porträts sind intimer, ich möchte meinen Standpunkt zur Frauengeschichte darlegen. Das Porträt ermöglicht es mir, weiter zu gehen und beispielsweise die Identität meiner Modelle, nämlich die einer Frau, zu hinterfragen. Was ich zeigen möchte, ist, dass diese Modelle keine Paschtunen, Hazaras oder Tadschiken sind, sondern Frauen. Eine Frau zu sein kann meine Identität sein, Afghanin zu sein kann meine Identität sein, und Iranerin im Herzen zu sein kann auch meine Identität sein. Ich vermische diese Identitäten. In dieser Serie über die Zahak Berge in Bamyan ist das Model Tadschikin aus Badakhshan und trägt Hazara-Textilien in einer Hazara-Region. Das Rot des Textils ist eine Reaktion auf den Völkermord an den Hazaras.

Eine Frau zu sein kann meine Identität sein, Afghane zu sein kann meine Identität sein, und Iranerin im Herzen zu sein kann meine Identität sein, sei auch meine Identität.

Pearl In The Oyster #4 © Fatimah Hossaini

In meiner Arbeit sieht man schöne Frauen auf der Straße, aber die Geschichte hat noch mehr zu bieten. Ihre Geschichten sind aufgrund des afghanischen Kontexts von zentraler Bedeutung. Ich bin Hazara, meine mandelförmigen Augen machen mich zur Zielscheibe. Ethnische Gruppen haben untereinander Probleme, insbesondere Paschtunen, die glauben, Afghanistan sei für sie, Hazaras seien Mongolen und Tadschiken kämen aus Tadschikistan. Das ist kein einfaches Problem. In einer meiner Serien habe ich eine Hazara-Frau neben eine Paschtunen-Frau gestellt, und diese Fotos haben mir viel Hass eingebracht. Auf den ersten Blick kann man es nicht verstehen, die wahre Erzählung liegt tiefer.

Du bist im Exil, losgelöst von deinen Wurzeln und deiner Identität, was machst du?

Ich habe mein Fotoprojekt 2015 in Teheran begonnen, leider blieb es nach dem Fall Kabuls unvollendet und ich musste Afghanistan mit einem amerikanischen Militärflugzeug verlassen. Ich konnte nicht glauben, dass ich eines Tages gezwungen sein würde, mein Land zu verlassen, wie es meine Großeltern taten. Ich arbeite jedoch weiter, ich habe ein Stipendium des französischen Kulturministeriums. In einem Kriegskontext ist das Exil eine einfache Entscheidung, aber es ist eine sehr schwere Last, die man tragen muss.

In einem Kriegskontext ist das Exil eine einfache Entscheidung, aber es ist eine sehr schwere Last, die man tragen muss.

Pearl In The Oyster #28 © Fatimah Hossaini

Ich habe fünf Fotos von Frauen im Exil gemacht, um mein Projekt von 2015 abzuschließen. Frauen im Exil erzählen die Geschichte von Schönheit, Widerstandsfähigkeit, Hoffnung und Weiblichkeit. Ich habe einen neuen Weg gefunden, meine Geschichte und die anderer zu erzählen. Sie können sogar sehen, dass sich die Farbe meiner Fotos verändert hat, ich konnte die Farben Afghanistans nicht finden.

Es fällt mir jetzt schwer, diese neue Lebensweise zu akzeptieren, obwohl ich viele Möglichkeiten hatte und tolle Menschen kennengelernt habe. Das Exil ist traurig. In den ersten Monaten weinte ich auf der Straße. Heute möchte ich den Lauf der Dinge ändern. Letzten Endes ist es immer noch nicht mein Zuhause.

Letzten Endes ist es immer noch nicht mein Zuhause.

Sind Sie jetzt Ihr eigenes Model?

Ja, ich mache hauptsächlich Selbstporträts. Das ist eine große Veränderung für mich. Ich habe nicht viele öffentliche Selbstporträts gemacht.

In meiner neuen Serie stelle ich mir vor, wie ich Handschuhe und einen Hazara-Hut trage, den einzigen, den ich nach dem Fall Kabuls mitnehmen konnte. Ich bin jetzt mein Model. Ich finde hier Dinge, die mich nach Afghanistan zurückbringen, kleine Dinge. Ich finde Afghanistan in der Musik meines Vaters, in seiner Playlist. Mein neuestes Projekt ist mit der Hazara-Musik meines Vaters verbunden. In meiner neuen Serie kann ich immer noch nicht in die Kamera schauen.

Ich finde hier Dinge, die mich nach Afghanistan zurückbringen, kleine Dinge. Ich finde Afghanistan in der Musik meines Vaters, in seiner Playlist.

Was sind deine nächsten Projekte?

Heute habe ich keinen physischen Bezug mehr zu meinem Hauptprojekt und möchte daher aufhören, an dem Konzept Afghanistan zu arbeiten. Ich habe neue Projekte mit Frauen sowohl in Asien als auch in der MENA-Region gestartet. Es geht immer darum, Geschichten über Erbe, Wurzeln und Verbindungen zu erzählen. Es wird eine Herausforderung sein. Letztlich ist es dasselbe wie bei den afghanischen Frauen, nur in einem anderen Kontext: Sie bleiben aber immer noch Frauen.

Fatimah Hossaini ist die Gewinnerin des Habib Sharifi Preises x Société Nationale des Beaux-Art in 2023.

Kredit:
Titelfoto (Home) : Fatimah Hossaini
Fotos : Fatimah Hossaini
Text: Raphaël Levy
Übersetzung : Anahita Vessier
Fatimah Hossaini’s website

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JEANNE VICERIAL, Der Rand in der Mitte

JEANNE VICERIAL, Der Rand in der Mitte

Textilhandwerkerin, Silhouettenbildhauerin, außergewöhnliche Designerin, Jeanne Vicerial geht über die Codes und Formen der Kunstwelt hinaus, indem sie neue Figuren präsentiert, und ohne Vorwarnung: der Rand in der Mitte.

Foto aus dem Kurzfilm "Une Renaissance" unter der Regie von : Louise Ernandez nach einer ursprünglichen Idee von Jeanne Vicerial und Louise Ernandez.

Zwischen ihrer Einzelausstellung in Paris bei Templon und ihrer Präsenz bei Lafayette Anticipations steht dieser Monat Februar im Zeichen von Jeanne Vicerial und ihren Silhouetten aus schwarzen Fäden. Nach einem gemeinsamen Moment mit der Künstlerin Anfang Februar ist es eine ganze Reflexion, die sich Ihnen präsentiert.

Impressum: Ansicht der Einzelausstellung von Jeanne Vicerial: "ARMORS", 7. Januar - 11. März 2023, Galerie Templon, Paris. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und TEMPLON, Paris - Brüssel - New York. Foto © Adrien Millot.

Wie sind diese mal stehenden, mal liegenden Puppen zu charakterisieren? Die Frage ist umso berechtigter, da Jeanne Vicerial vor allem gelernte Modedesignerin ist. Stehen wir vor Kleidern, die von Models getragen werden, oder vor autonomen Skulpturen? Die Nuance ist fein, aber ohne ein gewisses Merkmal, wie uns die Künstlerin bestätigt, für die die einzige Grenze die „Möglichkeit ist, die Skulpturen mit einem Körper zu besetzen. […] “Noch vor einem Jahr”, fährt sie fort, “habe ich Kleidungsskulpturen gemacht, von denen einige tragbar waren: Heute habe ich bei Templon Skulpturen gemacht. “Der Körper erweist sich als bestimmend und konstituierend für die Arbeit der Künstlerin.

Impressum: Ansicht der Einzelausstellung von Jeanne Vicerial: "ARMORS", 7. Januar - 11. März 2023, Galerie Templon, Paris. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und TEMPLON, Paris - Brüssel - New York. Foto © Adrien Millot.

„Das Wort Körper ist sehr zweideutig”, sagte Descartes, für den sich der Begriff sowohl auf die Materie als auch auf die Gestaltung der Seele bezieht. Wenn wir dieser Argumentation folgen, ist der Körper ein leeres Gefäß, das wir mit Bedeutung bekleiden würden/möchten, er ist sowohl ein Symbol als auch ein Werkzeug.

Mit der für die Galerie Templon produzierten Ausstellung Armors wollte Jeanne Vicerial „Frauenkörper mit Rüstungen ausstatten“. Der erste Wunsch, berichtet sie, sei es gewesen, diese verwundbar dargestellten antiken Venus mit nassen Tüchern zu schützen, was sie während ihres Aufenthalts in der Villa Medici im Jahr 2019 beobachten konnte. An Beispielen von Skulpturen heldenhafter Männer mit prallen Muskeln mangelt es in Rom nicht , warum also nicht die Karten neu verteilen und alle Körper bewaffnen? „Die Frage nach dem Verhältnis zum weiblichen Körper, sagt uns die Künstlerin, ist etwas, das ich in meiner persönlichen Konstruktion erlebt habe“ und erinnert uns damit an den Teil des Universellen, den sie in ihren Kreationen einfügt. Der Körper dieser nackten Venus ist sowohl der der Künstlerin als auch der aller Frauen.

Mit Armors pocht die Künstlerin daher auf „die Darstellung des weiblichen Körpers, vor allem aber auf die in der Kunstgeschichte wenig vertretenen Zustände des weiblichen Körpers wie Schwangerschaft, Geburt, Abtreibung …“. Es geht sowohl um den Schutz als auch darum, diese Körper sichtbar zu machen.

Impressum: Ansicht der Einzelausstellung von Jeanne Vicerial: "ARMORS", 7. Januar - 11. März 2023, Galerie Templon, Paris. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und TEMPLON, Paris - Brüssel - New York. Foto © Adrien Millot.

Die Künstlerin erinnert uns auch daran, dass “die menschliche Präsenz des Körpers in der Strick- und Webtechnik innewohnt”. Der technische Prozess von Jeanne Vicerial ist ziemlich einzigartig, er folgt einer Partnerschaft mit der Universität MINES ParisTech. Es ist ein robotisches Werkzeug, das die Arbeit der Künstlerin in den Rang des digitalen Handwerks stellt.

Um auf den Körper zurückzukommen, der künstlerische Prozess von Jeanne Vicerial wurde auf der Grundlage von Maßanfertigung und Konfektion geschaffen, was offensichtlich einen ausgeprägten Geschmack für Anthropomorphismus impliziert. So erschafft sie Silhouetten als Negativ des menschlichen Körpers, der auf der Suche nach seinem Positiv, seinem Seelenverwandten wäre. Der Platz, der der Suche nach dem Anderen im Werk der Künstlerin zugeordnet wird, kann nur mit Helfe ihrer Werken geschaffen werden, die sich sonst nur halb offenbaren würden.

Impressum: Ansicht der Einzelausstellung von Jeanne Vicerial: "ARMORS", 7. Januar - 11. März 2023, Galerie Templon, Paris. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und TEMPLON, Paris - Brüssel - New York. Foto © Adrien Millot.

Für Sartre führt die Präsenz des Anderen zu einer neuen Dimension des Selbst. In gleicher Weise aktiviert die Anwesenheit des Besuchers (des Anderen) das künstlerische und poetische Potenzial dieser Silhouetten-Rüstungen, da für den Künstler „die wirklichen Körper die der Besucher sind“. Der Andere sind auch Tänzer, Performancekünstler, die die Stücke aktivieren. Jeanne Vicerial erinnert uns daran, dass ihre Kreationen nur „Spuren des Körpers“ sind, die den Besucher oder Träger widerspiegeln. Durch diese Resonanz hat die Künstlerin universelle Körper geschaffen, die über das Geschlecht hinausgehen und sowohl das Männliche als auch das Weibliche in einer fortwährenden „Mutation“verbinden. Es handelt sich also um Silhouetten, die sich zugunsten der Sichtbarkeit universeller Bilder einer Geschlechtseinteilung verweigern.

Impressum: Ansicht der Einzelausstellung von Jeanne Vicerial: "ARMORS", 7. Januar - 11. März 2023, Galerie Templon, Paris. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und TEMPLON, Paris - Brüssel - New York. Foto © Adrien Millot.

Es wäre nicht zu viel zu sagen, dass wir alle einen Körper haben, dem diese Rüstungen hypnotische Worte zuflüstern, um den idealen Körper, der ihn aufnimmt, zu suchen, um in ihn hineinzuschlüpfen, als würde man einen Handschuh anziehen. Diese Rüstungen sind für den anderen bestimmt, aber insbesondere für den Anderen, Das Zweite Geschlecht.

Kredit:
Titelfoto (Home) : Joseph Schiano di Lambo
Fotos : Adrien Millot
Text: Raphaël Levy
Übersetzung : Anahita Vessier

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ALICE GRENIER NEBOUT, Nostalgie eines verlorenen Paradieses

ALICE GRENIER NEBOUT, Nostalgie eines verlorenen Paradieses

Alice Grenier Nebout ist eine französisch-kanadische Künstlerin, die in Paris lebt und arbeitet. Wir haben sie in ihrem charmanten Pariser Atelier getroffen, wo sie ihre Fantasien auf Leinwand präsentiert.

Du hast mir erzählt, dass alles an einem bestimmten Sommer auf einem kleinen Ruderboot begann, erzähle uns diese Geschichte.

Diese Geschichte handelt von einem kleinen Mädchen, das mit seinem Vater in den Urlaub fuhr, aber schrecklich gelangweilt war. Dieser Vater, der kein anderer ist als meiner, gab ihm Pinsel und Farbe, um es zu beschäftigen. Das junge Mädchen richtete ihren malerischen Blick auf ein altes Boot am Ufer des Sees, neben dem sie lebten.

Dieses Boot wurde meine Lebensader, sowohl eine künstlerische Stütze als auch ein Schlüssel zu einer anderen Welt. Ich verbrachte meine Tage an diesem See, um Fische, Frösche und Vögel zu beobachten. Irgendwie bin ich immer noch dasselbe Kind, das die Welt entdeckt. Grundsätzlich symbolisiert dieses Boot meine Begegnung mit Malerei und Natur, zwei wesentliche Elemente meiner künstlerischen Praxis.

“Ich versuche, den Menschen wieder mit seiner natürlichen Umgebung zu vereinen”

Mensch, Natur und Tiere, drei Motive, die in Deinen Bildern immer wiederkehren.

Dieses Trio, das mir fast heilig ist, komponiert meine Bilder sowohl in Form als auch im Inhalt. Ich versuche, den Menschen mit seiner natürlichen Umgebung wieder zu vereinen, durch Farben, die Natur, Tier und Mensch zusammenbringen können, wie zum Beispiel die Blau, die ans Meer und seine Tiefe erinnert, an das Geheimnis oder an das dritte Auge, das uns die Welt und ihr Wissen öffnet. 

Darüber hinaus ist es wichtig, dass es diese Einheit gibt, die zur Universalität der Welt führt.

“Diese Bilder sind meine einzige Möglichkeit, einen Beitrag zur Rettung der Natur zu leisten.”

Die Natur heute darzustellen, ist nicht ganz unschuldig.

Es ist absolut nichts Unschuldiges daran, dass ich die Natur repräsentiere und sie mit dem Menschen verbinde, weil ich von den jüngsten klimatischen Ereignissen am Boden zerstört bin. Die Verwendung dieser Natur in meinen Bildern ist die einzige Möglichkeit, den Menschen die ökologische Situation, in der wir uns befinden, verständlich zu machen. Die Verbindung zwischen Tier, Mensch und Natur macht dem Betrachter bewusst, dass wir unsere Welt respektieren müssen. Diese Bilder sind meine einzige Möglichkeit, die Natur zu retten.

Am Ende gibt es etwas sehr Utopisches in Deiner Arbeit, eine Art traumhafte Einheit.

Absolut, ich entferne mich von der Realität, um diese eigene Welt zu schaffen, in der ich mich wohl fühle, wo die Natur geschützt ist, eine Welt, in der Harmonie das Schlüsselwort ist. Ich erfinde lieber meine eigene Wirklickkeit, als eine bereits vorhandene darzustellen. Diese Bilder sind wie ein Schild, sie schützen mich vor der Außenwelt, vor der Realität.

Die Begegnung Deiner Vision mit der Natur gibt uns den Eindruck, paradiesische Gärten zu beobachten!

Ich stelle immer wieder den Garten Eden dar. Es ist ein Thema, das immer wiederkehren wird, ein Motiv, das ich mein ganzes Leben lang wiederholen werde. Für mich kommen wir alle von dort, wir sind alle Cousins. Natürlich löse ich mich dabei von der religiösen Dimension und behalte nur diese Vorstellung von Einheit und Harmonie. Es dreht sich alles um mentale Gewohnheiten, der westliche Betrachter ist an biblische visuelle Codes gewöhnt, die ihm erlauben, in diese Universen einzutreten, die ich erschaffe.

Der Garten Eden ist auch Mann und Frau, Gleichberechtigung in der Dualität der Geschlechter.

Absolut, meine Bilder sind auch durch die Dualität zwischen männlich und weiblich konstruiert. Die Vertikalität der Stämme, die meine Bilder unterstreichen, hat etwas Interessantes; Symbole, die zu Sexualität und Männlichkeit zurückkehren. Diese Stämme sind die eigentliche Struktur meiner Bilder. Wenn die Bäume gemalt sind, habe ich mein Gleichgewicht. Ohne diese männliche Vertikalität verliere ich mich in diesen sehr weiblichen und hügeligen Bergen, wo alles flexibler ist. Ausgeglichenheit kann es nur geben, wenn die der Geschlechter respektiert wird.

“Es ist, als würde ich meine Wunden durchs Malen verarzten und die Übel der Welt auf der Leinwandoberfläche sanft massieren.”

Diese Männer und Frauen strahlen aber noch viel mehr als ein Gefühl der Universalität aus.

Geschlechter bedeuten auch Sex. Sinnlichkeit und Liebe sind für mich auch wesentliche Bestandteile, die durch die Geste gehen, da ich auch direkt mit meinen Händen auf der Leinwandoberfläche arbeite. Es wird zu einer sehr taktilen, sogar intimen Arbeit, bei der ich die Farben mische, indem ich sie streichle, immer direkter und näher an der Leinwand. Ohne das ist es mir unmöglich, einer Emotion instinktiv einer Farbe zuzuordnen. Es ist, als würde ich meine Wunden durchs Malen verarzten und die Übel der Welt auf die Oberfläche der Leinwand sanft massieren. Da ist dieses Bedürfnis, Materie unter meiner Handfläche zu spüren.

Steht diese Sinnlichkeit im Dienst des Weiblichen und/oder Deiner Weiblichkeit?

Wichtig ist mir auch die Befreiung des weiblichen Körpers von der male gaze. Ich repräsentiere sehr feminine Frauen, die sich in ihrem Körper wohlfühlen und an alte Gottheiten erinnern. In der Tat ist die Beziehung zur Venus nicht sehr weit, es ist die universelle Frau, die Liebe und Schönheit darstellt. Indem ich diese Gottheiten mit diesen Charakteren und dieser Natur verkleide, drücke ich auch meine Weiblichkeit aus.

Meine Bilder sind daher fast Ausdruck von Weiblichkeit. Natur ist Frau.

Kredit:
Titelfoto (Home) : Anahita Vessier
Fotos : Anahita Vessier
Text: Raphaël Levy
Übersetzung : Anahita Vessier
Alice Grenier Nebout’s website

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DANIELA BUSARELLO, Expressionistin des Lebendigen

DANIELA BUSARELLO, Expressionistin des Lebendigen

Daniela Busarello bezeichnet sich selbst als bildende Künstlerin und Expressionistin des Lebendigen. In der Tat ist der Platz biologischer Wesen, ob Pflanzen oder Menschen, von zentraler Bedeutung für ihre Arbeit, in der sie ständig versucht, die Welt um sich herum zu untersuchen. Sie interessiert das Verhältnis des Menschen zur Natur, aber auch zwischenmenschliche Beziehungen, die unter anderem durch das Befragen des feministischen Engagements verdeutlicht werden.

Das Malen steht im Licht Deiner jetzigen Tätigkeit. Erzähle uns, wie Du von der Architektin in Brasilien zur Malerin in Frankreich wurdest.

Es war eine aufregende Reise voller Erfahrungen, die es mir ermöglichten, meinen Weg zu finden. Ohne wirklich zu wissen warum, saß ich eines Tages im Flugzeug nach Paris, um mir eine einjährige Auszeit als Architektin in Brasilien zu nehmen. Vielleicht war es das Gefühl, dass ich es sonst nie machen würde, wenn ich Brasilien nicht damals verlassen hätte. Trotzdem wachte ich an meinem 40. Geburtstag in meiner Pariser Wohnung mit einem so freien Gefühl auf, ohne jegliche Ängste. Also beschloss ich, mich für die Akademie der Bildenden Künste, les Beaux-Arts de Paris, einzuschreiben.

Es war ein Aktzeichenkurs für Erwachsene. Ich hatte das Glück, einen großartigen Lehrer zu haben, der verstand, dass ich mich langweilte, die menschlichen Modelle so zu kopieren, wie sie sind, ich wollte in sie eindringen, weiter sehen, tiefer als meine Augen es konnten. Durch das Zeichnen entdeckte ich die Innerlichkeit der Welt und der Körper. Was ich vor allem entdeckte, war meine Innerlichkeit.

“Ich bin Malerin und ich bin Frau.”

Du stehst also dazu Frau zu sein und nicht Feministin?

Weißt du, ich finde, es ist etwas noch viel Stärkeres, sich Frau zu nennen, es ist, sich dem anderen Geschlecht entgegenzustellen: Ich bin eine Frau. Da ist ein Wohlwollen, ein Blick, eine Sanftheit. Es bringt auch eine ganze mütterliche Seite mit.

Wir lieben es, nicht wahr, Frau mit all unseren Stärken und Schwächen zu sein?

Absolut, ich will nicht mit Männern konkurrieren. Ich will kein Mann sein. Ich lebe jedoch diese weibliche Kraft mit all ihren Stärken und all ihren Schwächen. Das ist, was meine schöpferische Energie antreibt. Es kommt wirklich aus meinem Bauch heraus, ich könnte gar nicht anders. Sanftheit zum Beispiel ist auch eine menschliche Eigenschaft, denn mich interessiert tatsächlich der Mensch.

Und woher kommt dieses Interesse am Menschen in Deiner Arbeit?

In Wahrheit kommt es aus meinem früheren Leben, als ich Architektin und Stadtplanerin war. Bevor man ein Projekt entwirft, muss man die Umgebung studieren, in dem der Mensch im Mittelpunkt steht. Ich glaube, ich habe nie aufgehört, dafür sensibel zu sein. Genauso wie die Frage nach den Beziehungen, die wir zum Anderen haben, wobei das Andere ein Mensch, eine Pflanze, ein Tier, die Stadt sein kann. Das sind also reale Körperlandschaften, die durch meine Geste entstehen, in der Kontinuität meines eigenen Körpers.

Du sprichst über Umwelt, Landschaft, Pflanzen, man könnte meinen, dass der Mensch nicht Deine einzige Muse ist.

Es gibt ein Konzept in der Architektur, die Philosophie des Genius Loci, der Geist des Ortes. Es ist eine Idee, die meine Praxis inspiriert, und für die ich mit einem von mir festgelegten Protokoll wirklich in die Natur eintauche. Ich beginne zuerst damit, Pflanzen, Blumen, Steine ​​oder Bäume zu fotografieren, die ich während einer meiner Reisen sammle. Ich mache dieses Material zu Pulver, das ich dann zum Malen verwende. So bewahre ich den Geist und die Energie eines Ortes. Es ist eine Suche nach Innerlichkeit, aber auch ein Hinterfragen dessen, was uns mit allen Dingen verbindet, also mit dem Kosmos.

Und welcher Ort beschäftigt Dich heute am meisten?

Natürlich Brasilien und insbesondere der Atlantische Regenwald am Vorabend seines Verschwindens. Eine Blume auf dem Bürgersteig zu pflücken, wie ich es mache, ist auch ein Stück dieses großartigen Ökosystems, das durch menschliche Aktivitäten gefährdet ist.

“Malen ist mein zweiter Atem geworden, ich kann nicht ohne Malen.”

Irgendwo rettest Du die Wälder Brasiliens auf Deine Weise, indem Du sie in Deinen Bildern verewigst. Kunst strebt danach, für immer zu existieren, vielleicht leider nicht der Atlantische Regenwald.

So hatte ich mir das nicht vorgestellt, aber wahrscheinlich hast du recht, es ist wie eine Art unbewusster Schutz meines Landes. All diese Prozesse sollen auch über die brasilianischen soziokulturellen Probleme sprechen, die derzeit mit einem regelrechten Wettlauf ins Verderben schlittern. Tatsächlich ist das Malen zu meinem zweiten Atem geworden, ich kann nicht ohne Malen. Es sind all diese bewussten und unbewussten Sorgen und Ängste, die ich beim Malen in meine Geste einhauche. Außerdem, obwohl ich vorher einige Bilder vorbereite, endet es oft nicht so, wie ich es mir vorgestellt hatte. Das Unbewusste leitet mich und erlaubt mir, mich frei auf der Leinwand auszudrücken. Es ist fast therapeutisch.

Deine Geste bringt eine Tiefe, die die einfache Beschreibung der Welt übersteigt …

Allerdings war das nicht immer so, meine ersten Bilder waren schnell fertig. Es war die Augenblicklichkeit von Gefühlen und menschlichen Beziehungen, die ich dargestellt habe. Heute ist die Geste des Malens wichtiger, und dafür brauche ich einen Monat im Vergleich zu früher, wo eine Woche genug war. Die Zeit, in der ich nicht male, ist genauso wichtig, da sie mir erlaubt nachzudenken. Dank dieser großen Leinwände habe ich verstanden, dass das sich Zeit nehmen meiner Geste einen anderen Atem verleiht, etwas sehr Meditatives.

“Sich Zeit zu nehmen bringt einen anderen Atem in meine Geste.”

Und all diese Reisen, diese Ideen, wohin führen sie Dich?

Ich sehe meine aktuellen Arbeiten als eine imaginäre Reise, eine Art mentale Ausstellung, wenn man so will. So kann ich ohne großen Druck arbeiten, so wie ich es für richtig halte. Ich fange an, Bilder mit Farbe aus rein pflanzlichen Stoffen, die ich aus Brasilien mitgebracht habe, zu malen. Das Ergebnis sind Schattierungen von Ocker und Braun, die ich sehr mag und die mich ermutigen, meine Expeditionen fortzusetzen. Ich werde auch bald längere Zeit in Bahia (Brasilien) verbringen.

Kredit:
Titelfoto (Home) : Piotr Rosinski
Fotos : Piotr Rosinski ; Franck Jouery ; Luis Alvarez ; Gilad Sasporta
Text: Raphaël Levy
Übersetzung : Anahita Vessier
Daniela Busarello’s website

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SEPAND DANESH, Kunst ist ein Stück Schöpfung

SEPAND DANESH, Kunst ist ein Stück Schöpfung

Hartnäckig, fast schon besessen und gierig nach Wissen, bereichert der französisch-iranische Künstler Sepand Danesh, der sich mit Leidenschaft der Malerei hingegeben hat, seine Gedankenwelt mit Literatur und Geschichte. Sépànds Faszination für den Winkel, dieses hohle Eck im Raum, das oft mit Melancholie und Nostalgie gefüllt ist, wurde zum Hauptthema seiner Bilder.

Aus seinem Drang nach Verstehen und Entdecken und seinem Interesse für das megaverbundene Netzwerk des Hubs, entstand nun auch sein neuestes Projekt unter dem Namen Hubutopia, ein Forschungsprogramm, das zum Ziel hat, Brücken zwischen Kunst und Wissenschaft zu schaffen.

Die kreative Welt Sépànd Daneshs ist reich und lebhaft, wo sich Fantasie und Erinnerung vollkommen vereinen.

Du hast ein sehr bewegtes Leben, bist vom Iran in die USA und dann nach Frankreich gezogen.
Was war der Grund, dass du angefangen hast zu zeichnen?

Ich war 13 Jahre alt, als ich mit meiner Familie nach Frankreich zog. Und da ich kein Wort Französisch sprach, fing ich an zu zeichnen. Dieses künstlerische Talent wurde von meinem Zeichenprofessor im Gymnasium sehr unterstützt. Und so wurde diese Beschäftigung sehr bald zu einer Aufstiegsmöglichkeit, und ich beschloss in eine kunstbildende Schule zu gehen.

Und du hast es sogar geschafft, an der Beaux Arts in Paris zu studieren, eine der renommiertesten Kunstunis der Welt ist. Wie waren die Studienjahre an diesem namhaften Ort? 

Nach einem Produktdesignstudium an der ENSAAMA Olivier de Serres in Paris hatte ich das Glück, ein Stipendium an der Beaux Arts zu bekommen und in den Meisterklassen von Professoren wie Giuseppe Penne und Philippe Cognée zu studieren. Der Rahmen, die Ruhe abgeschieden vom Pariser Mikrokosmos, die unglaubliche Bibliothek, die Nähe zum Louvre, zum Musée d’Orsay und zum Centre Pompidou haben mir in diesen fünf Studienjahren erlaubt, mich auf mein Studium zu konzentrieren und meine tiefe Leidenschaft für die Kunst zu entdecken.

Deine Bilder erinnern mich an Emile Zolas Worte: “Kunst ist ein Stück Schöpfung, gesehen durch ein Temperament.” Siehst du eine Verbindung zwischen diesem Zitat und deinem Werk, in dem der Winkel, dieses Stück, wovon Zola spricht, das Hauptthema ist?

Marcel Proust schrieb einst:

“Ein Gemälde ist wie die Erscheinung eines Winkels einer geheimnisvollen Welt, wovon wir auch noch andere Fragmente kennen, in dem wir andere Werke desselben Künstlers betrachten. Diese Art von Begegnung passiert auch, wenn wir uns in einem Salon mit Leuten unterhalten, plötzlich aufschauen und unser Blick auf eine Malerei fällt, die wir zwar nicht kennen, aber die uns doch so vertraut erscheint, wie die Erinnerung an ein vergangenes Leben.”

Du bist übrigens ein leidenschaftlicher Fan Marcel Prousts und beobachtest auch seit langem mit einer Bessenheit, die Art und Weise wie wir Gedanken ausdrücken können. So hast du die Enzyklopädie der Fantasien entwickelt, eine Gittersystem, das mit Zeichnungen gefüllt werden kann. Sie ist eine Art Wörterbuch aber ohne Worte, in der es keine Sprachbarriere gibt und de Welt um uns und in uns beschreibt.

Ich hatte oft dieses Gefühl der Beklemmung, dieses Gefühl irgendwo steckengeblieben zu sein, in einer Kultur, in einer Sprache, in einem Land, in einer Beziehung, in einem Gedanken, in einem Körper, auf einem Planeten.

Die einzige Lösung, die ich gefunden habe, um daraus auszubrechen, ist von einer Sekunde auf die andere den Blickwinkel der gegeben Situation zu ändern, von einem Gedanken in einen anderen zu schalten, ihn zu erneuern, ein Update der Ideen, die mir durch den Kopf gehen.

Das Gittersystem habe ich schon als Jugendlicher erfunden, da ich diesen unheimlichen Drang hatte, gedanklich auszubrechen. Ich wollte jedoch das richtige System finden und durch diese Recherchen bin zu den folgenden drei Themen gekommen: die Domestizierung, die Verbindung und die Zerstreuung.

Von der Lust des Ausbrechen getrieben, fing ich an, Bilder zu malen, die Winkel darstellten. Mir war dabei diese Vertiefung der Ecke ohne Boden und ohne Decke sehr wichtig, in der wir uns eingeengt fühlen, und die uns zwingt, aus dieser hinaus zu wollen.

Seitdem beschäftige ich mich in meinem Werk intensiv mit der Frage, wie der Mensch aus seinen Lebensbedingungen ausbrechen kann.

Nicht nur drückst du deine Gedanken durch deine Malereien und Zeichnungen aus, sondern du hast auch das Konzept « Hubtopia » erfunden und organisiert Diskussionsrunden und Konferenzen, wo du Leute aus ganz verschiedenen professionellen Milieus einlädst, um auf eine wissenschaftliche Weise die sehr vielseitigen Perspektiven eines Hubs zu zeigen.
Kannst du ein bisschen mehr das Hubtopia Konzept definieren?

Hubtopia ist eine Wortneuschöpfung, die sich vom Wort « hub » ableitet (großes Verteilzentrum von Informationen) und dem altgriechischen Wort « topos », das Ort aber auch die Methode des Argumentierens bedeutet.

Dies umfasst ein Forschungsprogramm, das sich ausschließlich mit der Studie des « Hubs » beschäftigt, die in drei Formen behandelt wird: übers Internet (www.hubtopia.org), in Form von Events und auch als Verlag.

Um Hubtopia herum organisiert du auch pädagogische Workshops und Konferenzen, was einen interessanten Zuggang zu deiner Kunst schafft.
Ist es für dich wichtig, dass deine Kunst leicht zugänglich ist?

Schulen, Krankenhäuser, Gefängnisse sind Orte, wo sich die Menschen mehr als woanders festgesteckt fühlen. Mir war es ein Bedürfnis, diese Erfahrung und dieses Gefühl des eingeengt seins mit anderen Leuten zu teilen. So habe ich im Rahmen dieser Workshops allen Arten von Menschen (bis heute sind es ca. 900 Personen) angeboten, in diesen vorgegeben Gittern zu zeichnen.

Kunst ist für mich ein Mittel, um aus meinen Bedingungen als Mensch auszubrechen. Wenn meine Kunst das Gleiche bei anderen erweckt, möchte ich dies ihnen nicht enthalten sondern im Gegenteil es ihnen ermöglichen.

Ich wurde von einem Theaterregisseur kontaktiert, der mir vorgeschlagen hat, meine Workshops in eine Bühnenshow zu verwandeln. Mal sehen …

Neben der Malerei, spielst du auch die Oud, die persische Laute. In deinem ständigen Drang auszubrechen, ist für dich Musik auch ein Mittel, das dir hilft, dich loszulösen?

Wenn ich eine einsame Insel mitten im Ozean wäre, so wäre für mich Musik wie die Papageie in Chateaubriands « Erinnerungen von jenseits des Grabes ». In diesem Roman hören diese nicht auf, die Sprache der ausgerotteten Ureinwohner weiterhin wiederzugeben, auch wenn jene schon von den Eindringlingen getötet worden waren.

Du hast am Ende des Monats eine Soloausstellung in der Galerie Dastan in Teheran. Was hälst du von der jungen Kunstszene zeitgenössischer Künstler im Iran?

Virginia Wolf schrieb einst:
“Die größte Veränderung, die man heutzutage im Schreibstil von Schriftstellerinnen erkennen kann, ist ihre Attitude. Sie haben nicht mehr diesen Zorn in sich, ihre Texte sind keine Forderungen oder Anschuldigungen mehr. Wir nähern uns, oder sind gar schon an diesem Punkt angekommen, wo das Schreiben nicht mehr von äusserlichen Bewegungen beeinflusst wird. Frauen können sich nun ganz ihren Visionen hingeben, ohne davon abgelenkt zu werden. Deswegen sind heute Romane, die von Frauen geschrieben werden, viel interessanter als sie noch vor 100 oder sogar 50 Jahren waren.”

Ich glaube, dass die iranische Kunstszene im Iran und im Ausland, auf eine große Veränderung wartet. Diese jedoch wird nicht einfach passieren, wenn man nicht danach sucht und daran arbeitet. Man sollte endlich mit all dem Traditionellen brechen und die Trugbilder, die sie vom Westen haben, durchbrechen.

Gibt es ein Motto, das dich durch dein Leben begleitet ?

Mein Vater wiederholte mir immer wieder dieses Zitat von Berthold Brecht :

“Man redet oft von der Gewalt der Flüsse, die alles mit sich reißt, aber nie von der Gewalt an den Ufern.”

Kredit:
Portrait: Anahita Vessier
Alle anderen Fotos : Sepand Danesh
Text: Anahita Vessier
Übersetzung: Anahita Vessier
http://sepanddanesh.com
http://hubtopia.org

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SARAÏ DELFENDAHL, Chimaerae mirabiles

SARAÏ DELFENDAHL, Chimaerae mirabiles

Für Saraï Delfendahl gibt es keinen Unterschied zwischen Tier, Mensch, Pflanze und Materie. Sie lebt im Einklang mit der Natur und ihrer Kunst, und erschafft aus Keramik mit ihren wendigen Händen wundersame Fabelwesen zwischen Tier und Mensch. Berauscht von dieser Schöpfungsenergie könnte sie Tag und Nacht an ihren Kreationen arbeiten und vergleicht sich gerne mit einem “Betonmischer”, der ununterbrochen Einflüsse, Erinnerungen, Obsessionen und Ideen zusammenmischt.

Ihre imaginären Kreaturen scheinen aus Träumen, Albträumen … zu kommen. Wovon träumen Sie gerade?

Für mich gibt es keinen Unterschied zwischen Träumen, Tagträumen und Alltag. Es gibt auch keinen grundsätzlichen Unterschied zwischen Tier, Mensch, Pflanze, Material und Symbolik. Meine Kreaturen scheinen mir ganz „normal“ zu sein.

Woher kommt also diese sehr tiefe Verbindung zwischen Mensch, Tier und Pflanze in Ihnen?

Was ich als Kind mit meinen Eltern erlebt habe, hat zweifelsohne einen großen Einfluss auf meine Arbeit. Mein Vater, australischer Herkunft, war Ethnologe und brachte uns oft ins Musée de l’Homme in Paris, wo ich von der Kunst verschiedener Zivilisationen beeindruckt war. In diesen Kulturen, die ich auf diese Weise entdecken konnte, sind die Verbindungen zwischen Menschen, Tieren, Pflanzen und schließlich dem Universum sehr eng …

Wenn wir schon von dieser Kunst aus anderen Zivilisationen sprechen, Ihre Werke werden oft mit Art brut verglichen.

Art brut ist ein Begriff, womit man tatsächlich meine Arbeit definieren könnte.

Ich bin auch selber sehr fasziniert von den Arbeiten dieser autodidaktischen Frauen und Männer, aber es scheint richtiger zu sein, von einzigartiger Kunst zu sprechen …

Meine Arbeitsweise ist in der Tat ziemlich “einzigartig”, und ich persönlich gehöre keiner künstlerische Bewegung an.

Wenn man Sie beobachtet, spürt man dieses echte Bedürfnis nach manueller Arbeit.

Meine Mutter, die Künstlerin war, nahm mich mit zu vielen Ausstellungen. Ich bin erst ab der fünften Klasse zur Schule gegangen. Meine Mutter benutzte die Montessori-Methode, um mir Lesen und Schreiben beizubringen, und jeden Tag zeichnete und erfand ich Geschichten. Ich wurde auch von ihr in den Reichtum der Natur und alle Arten von Handarbeit eingeweiht. Sie las uns Geschichten aus aller Welt vor. Ich erinnere mich noch an die katalanischen Geschichten, die Joan Amades gesammelt hat, insbesondere die mit dem Titel “Die Tochter von Sonne und Mond”.

Meine Eltern waren intellektuell, aber auch sehr manuell: Zu Hause arbeiteten alle mit allen möglichen Materialien, wir webten, wir machten Mechanik, Elektrizität, Zimmerei, Mauerwerk, Weben, Töpfern, Gemüsefarben, Gartenarbeit …

Diese Handarbeit, die Geste, das Material, sind sehr wesentliche Elemente für einen Künstler. Brancusi sagte: “Durch das Schnitzen von Steinen entdecken Sie den Geist der Materie, Ihr eigenes Maß. Die Hand denkt und verbindet Gedanken mit Materie. … ”.
Wie fühlen Sie sich, wenn Sie der Materie, dem Unbekannten gegenüberstehen?

Wenn ich vor Materie stehe, habe ich nicht das Gefühl, vor dem Unbekannten zu stehen. Ich bin mit der Materie, ich fühle mich in Harmonie mit ihr, ich erlebe große Kraft und große Freude in dieser Metamorphose der Materie.

Ich habe selten eine vorgefasste Vorstellung davon, was ich tun werde, und wenn ich eine habe, mache ich zufällig etwas ganz anderes … Ich bin tatsächlich oft überrascht von dem, was ich gerade getan habe. Schöpfung ist ein Jubel, ich fühle viel Energie in mir, wenn ich in meinem Atelier bin, und es fällt mir schwer aufzuhören: Ich könnte Tag und Nacht arbeiten.

Francis Bacon verglich sich gerne mit einem “Betonmischer”, der alle Arten von Einflüssen, Erinnerungen usw. mischt. Dieser Begriff passt zu mir.

Und es gibt auch diese sehr mütterliche, sehr schützende Geste, die man oft in Ihren Entwürfen sehen kann. Ist für Sie Mutter sein eine Inspirationsquelle?

Ich bin Mutter von drei Kindern, und das hat einen großen Platz in meinem Leben eingenommen: Ich habe es geliebt, sie in meinen Armen zu tragen, auf sie aufzupassen, und ich habe die Darstellungen von Müttern und Kindern immer sehr gemocht, besonders die der italienischer Meister. Ich mag es zu umarmen, zu beschützen. Ich möchte viele Menschen auf der Welt schützen: Kinder, aber auch Tiere, Pflanzen usw.
Als meine Kinder klein waren, hatte ich nicht viel Zeit, um als Künstlerin in einem Atelier zu arbeiten. Dank ihnen habe ich deshalb die “Notizbücher meines fantastischen Alltags” geschaffen, in denen sie häufig vorkommen: Es sind Sammlungen von Gemälden und Schriften. Diese Notizbücher haben es geschafft, mein Bedürfnis nach Schöpfung für einige Jahre zu befriedigen.

Was machen Sie sonst gerne, wenn Sie mal nicht die Hände in der Keramikmasse haben?

Wenn ich nicht in meinem Studio bin, habe ich viele andere Leidenschaften, eine davon ist Kochen. Ich bin ein Feinschmecker und koche schon, seit ich klein bin. Bei der Zubereitung von Gerichten fühle ich mich ein bisschen wie in meinem Studio vor einer Skulptur.

Kredit:
Fotos : Iza-Menni Laaberki
Text: Anahita Vessier
Saraï Delfendahl Instagram

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A STRANGER’S HAND, Gideon Rubin im Gespräch mit Roman Hossein Khonsari

A STRANGER’S HAND, Gideon Rubin im Gespräch mit Roman Hossein Khonsari

„Das Gesicht nimmt in Beschlag und zeigt sich: zwischen Transzendenz und der Sichtbarkeit/Unsichtbarkeit (…). Der Nächste, der mich in Beschlag nimmt, ist schon Gesicht, vergleichbar und doch auch unvergleichbar, einzigartiges Gesicht und Gesicht unter Gesichtern … ” (Emmanuel Levinas)

Von Demonstranten in Hongkong bis zu Zuschauern des Films Joker, in dem eine Revolte von einem Grimassenclown angeführt wird, wird das Gesicht zu einem wichtigen Thema für politisches und soziales Engagement, Identifikation und Anerkennung. Staaten und große Unternehmen, die Computerdaten sammeln, sind an dieser Gesichtserkennung interessiert, die einige Bürger ablehnen, für die das Abdecken ihres Gesichts mit einer Maske ein Weg ist, ihre Freiheit zu bewahren. Aber was bleibt von ihrer Identität hinter diesen verborgenen Gesichtern?

Die Projektion von Identität auf gelöschte Gesichter ist ein häufiges Thema in Gideon Rubins Arbeit sowie in der täglichen Praxis von Dr. Roman Hossein Khonsari als Kiefer- und Gesichtschirurg, der durch Unfälle oder Krankheiten verlorene Gesichter rekonstruiert.

Beide sind Handwerker gesichtsloser Erinnerungen, die außergewöhnliche manuelle Fähigkeiten beherrschen, der eine mit einem Pinsel, der andere mit einem Skalpell, und sich ständig hinter diesen Gesichtern ohne Merkmale mit der Frage nach Geschichte, Erinnerungen, Lebensspuren und Identitäten auseinandersetzen.

Dieses von Anahita Vessier entworfene und orchestrierte Gespräch zwischen dem Künstler und dem Chirurgen ist ein interdisziplinärer Austausch, der das Publikum dazu einlädt, sich im Rahmen Gideon Rubins Ausstellung “A Stranger’s Hand” in der Galerie Karsten Greve in Paris eingehender mit der Arbeit des Künstlers zu befassen, und noch unerforschte Ecken seines künstlerischen Universums durch die von Dr. Khonsari als Wissenschaftler der Human -und Naturwissenschaften angewandte Betrachtungsweise zu entdecken.

Kredit:
Fotos: Flaminia Reposi
Video: Alban Jadas für Galerie Karsten Greve
Text : Anahita Vessier
hhttps://www.gideonrubin.com

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RANA BEGUM, Licht, Farbe und Form

RANA BEGUM, Licht, Farbe und Form

Die britisch-bangladeschische Künstlerin Rana Begum ist mit acht Jahren von Bangladesch nach England gezogen, ohne ein Wort Englisch zu sprechen. Von diesem Moment an hat sie Kunst als ihre Art der Kommunikation gewählt. Dieser ständige Drang zu kreieren hat sie zu einem der aufstrebenden Stars der internationalen Kunstszene gemacht.

Sie sagte einmal über ihre Praxis: “Das Bedürfnis zu schaffen ist immer da. Ich habe einen visuellen Weg eingeschlagen. Es ist nicht unbedingt einer, den die Leute immer verstehen, aber ich bin zufrieden damit. Auch wenn ich manchmal nicht sicher bin, wo ich genau stehe, bin ich zuversichtlich, dass mich dieser Weg irgendwohin führt. “

Wie bist du zur Kunst gekommen?

Ich kam 1985 in England an und sprach kein Wort Englisch. Als ich in die Schule kam, war es sehr schwer – ich verbrachte den größten Teil meines ersten Tages sehr gelangweilt und versuchte nicht einzuschlafen! Am nächsten Tag gab mir mein Lehrer Farbstifte und Papier. Plötzlich hatte ich eine Möglichkeit zu kommunizieren. So zeichnete ich ständig und alle meine Bilder gingen an die Wand.
Dies gab mir schon in jungen Jahren eine so positive Verbindung zur Kunst.

Künstlerin zu werden war für dich also ein ziemlicher Kampf.

Ja, ich denke das ist fair zu sagen! Sowohl weiblich als auch muslimisch zu sein bedeutete, dass ich sehr hart arbeiten musste, damit keines dieser Dinge meine Arbeit definiert oder wie sie wahrgenommen wird. Ich habe es mir allerdings nicht leicht gemacht.

Ich begann als figurative Künstlerin, das im Widerspruch zu den religiösen Überzeugungen meiner Familie stand, aber dank der Unterstützung meiner Schulleiterin und meines Onkels kamen sie vorbei. Dies ist alles Teil der Reise, die mich dorthin gebracht hat, wo ich heute bin.

Licht, Farbe und Wiederholbarkeit sind bei deiner Arbeit sehr wichtig. Gibt es einen Zusammenhang mit deiner Kindheit in Bangladesch, wo du bis zu deinem achten Lebensjahr aufgewachsen bist?

Ja, es ist ziemlich seltsam, weil ich mich lange Zeit überhaupt nicht mit meiner Erfahrung als Kind in Bangladesch verbunden gefühlt habe.

Erst als ich mich in der kognitiven analytischen Therapie befand, einem Mittel zur Wiederentdeckung von Erinnerungen, konnte ich herausfinden, warum ich als Kind in Bangladesch bestimmte Dinge tat, und wie sie später meine Arbeit beeinflussten. Ich glaube wirklich, dass Dinge aus einem bestimmten Grund passieren!

Ich habe zum Beispiel immer in die Reisfelder gestarrt, und diese Bilder sind extrem lebendig. Ich erinnere mich an die Wiederholbarkeit, das Wasser, den Wind, die Bewegung und das Licht, das auf dem Wasser reflektiert wird. Ich erinnere mich, dass mir ziemlich viel erzählt wurde, weil ich saß und starrte. Zu der Zeit weiß ich nicht, warum ich es getan habe.

Aber jetzt manifestieren sich diese Farben und Formen in meiner Arbeit, als ob sie mir als Kind irgendwie in den Sinn gekommen wären. Farben sind mir sehr wichtig. Ich bin mit Bollywood-Filmen aufgewachsen und habe ihre Lebendigkeit absolut geliebt. Meine Liebe zur Wiederholung beruht auch auf meiner religiösen Erziehung. Ich bin mit dem Lesen des Korans aufgewachsen und habe fünfmal am Tag gebetet. Die Routine des Gebets sowie die Bewegungen, die Sie beim Beten ausführen, haben diese Wiederholung ausgelöst, die meine Arbeit für immer durchdringt.

Diese drei Dinge, Farben, Licht und Form, sind wie ein Dreieck, das meine Praxis geprägt hat.

Und wie hat es sich angefühlt, 2014 als Künstlerin nach Bangladesch zurückzukehren, um auf dem Dhaka Art Summit auszustellen? Warst du nervös?

Ich war sehr nervös, es fühlte sich wie eine große Sache an! Ich wusste, dass ich eines Tages nach Bangladesch zurückkehren würde, aber ich hätte nicht gedacht, dass ich wieder ausstellen würde. Dies war ungefähr zu der Zeit, als ich in der Therapie war und weitere Kindheitserinnerungen entdeckt hatte. Es war besonders passend, dass der Auftrag darin bestand, Materialien zu verwenden, die vor Ort hergestellt wurden. Als ich aufwuchs, hatte ich eine Freundin aus der Familie, die sich um mich kümmerte und Körbe webte. Ich wollte diese Kindheitserinnerung einbeziehen, also dachte ich mir, warum ich nicht eine Struktur mit einer Korbformation schaffen sollte.

Als ich ein Kind war, ging ich am frühen Morgen in die Moschee, um den Koran zu lesen. Die Moschee selbst war sehr einfach mit einem Brunnen vor, der seitdem abgerissen wurde. Ich erinnere mich an den Raum voller Menschen, die den Koran rezitieren. Neben den Seiten, auf denen Sonnenlicht durch das Fenster spähte, waren Stimmen zu hören. Es war ein starker multisensorischer Moment von Licht und Ton. Dies wollte ich auf dem Dhaka Art Summit nachbauen, eine Erfahrung, die intensiv, aber ruhig und meditativ war.

Ein weiteres Highlight meiner Rückkehr nach Bangladesch war, dass ich Ziba von der Parasol Unit in Dhaka getroffen habe.

Diese Begegnung war eine sehr wichtige in deiner Karriere.

Ziba zu treffen war ein ganz besonderer Moment in meiner Karriere. Sie gab mir eine unglaubliche Gelegenheit, eine Einzelausstellung in der Parasol Unit in London zu haben.

Durch ihre Arbeit als Kuratorin konnte ich eine Erzählung erstellen, die mir half zu verstehen, woher meine Arbeit kommt, auf meine damalige Position zuzugreifen und mich wissen zu lassen, dass ich in die richtige Richtung gehe. Diese Show gab mir wirklich das Vertrauen, das ich brauchte.

Hälst du es als Künstlerin wichtig, Raum für Unfälle zu lassen und manchmal loszulassen?

Du mußt! Andernfalls produzieren Sie immer wieder das gleiche Material. Jeder Unfall ist etwas Besonderes und muss zu etwas anderem führen. Es könnte das kleinste Detail sein, das das nächste Kunstwerk beantwortet.

So viel von meiner Arbeit stammt aus zufälligen Begegnungen – dem Lichtspiel an einer Wand oder aus dem Experimentieren mit einem neuen Material. Ich denke, es ist wichtig, ein gewisses Maß an Neugier und Freiheit bei der Schaffung von Arbeit aufrechtzuerhalten.

Und wenn du dir ein fertiges Kunstwerk von dir ansiehst, ist es dann so, dass du mit dem Ergebnis manchmal nicht zufrieden bist?

Manchmal ja, und dann lasse ich es für eine Weile in Ruhe und werde darauf zurückkommen. Es gibt Zeiten, in denen ich die Werke nicht loslassen möchte. Für mich ist es jedoch wichtiger, dass die Arbeit nach Abschluss veröffentlicht wird und mit den Zuschauern und ihrer Umgebung interagieren kann. Da zeitliche Faktoren wie Licht in meiner Arbeit eine so entscheidende Rolle spielen, kann man nie wirklich sagen, dass eine Arbeit beendet ist, da sie je nach Tageszeit, verschiedenen Lichtdichten usw. eine Vielzahl neuer und unerwarteter Zustände annimmt. Deshalb liebe ich Kunst im öffentlichen Raum. Sie können die Grenzen überschreiten, die Sie im Studio nicht überwinden könnten.

Gibt es einen öffentlichen Ort, von dem du träumst, dort eines deiner Kunstwerke auszustellen?

Dia Art Foundation!

Und was ist mit Kooperationen?

Ich liebe es, mit Menschen aus verschiedenen Disziplinen zusammenzuarbeiten, weil es Dinge zu entdecken gibt, an die Sie vielleicht nicht gedacht haben.

Für mich ist es wichtig, offen für Gespräche und Kritik zu sein. Nur so können Sie weiter wachsen und lernen.

War es für dich immer einfach, über den Islam zu sprechen?

Das war eines der Dinge, die mir lange Zeit sehr schwer gefallen sind, weil ich nicht in eine Schublade gesteckt werden wollte, um in eine bestimmte Richtung gedrängt zu werden. Ich wollte nicht, dass mein Geschlecht, meine Religion oder meine Kultur ein Thema sind. Ich musste mich unbedingt nicht auf diese Dinge konzentrieren, und die Malerei bot mir die Freiheit, die ich brauchte. Jetzt habe ich kein Problem damit, über die Einflüsse zu sprechen.

Was ist dein erster Gedanke, wenn du an den Iran denkst?

Das ist ein Ort, an den ich gerne gehen würde … Geometrie, Farbe und leckeres Essen kommen mir in den Sinn!

Kredit:
Alle Fotos von Rana Begum in ihrem Atelier von Philip White
Coverfoto von Josh Murffit
Text: Anahita Vessier
Übersetzung: Anahita Vessier
https://www.ranabegum.com

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GEORGIA RUSSELL, Fenster auf ungezähmte Natur

GEORGIA RUSSELL, Fenster auf ungezähmte Natur

Georgia Russell beim Arbeiten zuzuschauen, ist einfach faszinierend, wie die aus dem schottischen Elgin stammende Künstlerin mit einem Skalpell in die von ihr bemalten Leinwände Ornamente und Streifen schneidet, die dann rhythmische dreidimensionale Formen und Bewegungen ergeben. Ihre Kreationen erinnern an die im Winde wehende Graslandschaft der Highlands mit all ihren Farben und Lichteinflüssen oder an von Pflanzen bedeckte Fenster, die Licht durchscheinen lassen und dahinter architektonische Elemente zu erahnen sind.

Georgia lebt und arbeitet heute mit ihrem Mann dem venezolanischen Maler Raul Illarramendi und ihren zwei Kindern bei Paris. Ihre beindruckenden Werke sind heute in Ausstellungen rund um die Welt zu sehen. Einige ihrer Werke befinden sich auch in Sammlungen, wie zum Beispiel in der des Centre Pompidous in Paris.

Du lebst und arbeitest in Méru, ein charmanter Ort in der Nähe von Paris. Was hat dich eigentlich dazu gebracht, nach Frankreich zu ziehen, nachdem du dein Masterstudium am Royal Collage of Art beendet hattest?

Im Rahmen meines Masterstudiums am Royal College of Art in London, verbrachte ich Zeit in einer Künstlerresidenz an der Cité des Arts Internationale in Paris, um an meinem Projekt der Buchskulpturen zu arbeiten. Ich habe dort Recherchen betrieben, um das passende Arbeitsmaterial dafür zu finden. Deswegen war es für mich offensichtlich nach meinem Master wieder nach Frankreich zurückzukehren.

Das war schon eine Weile her! Nun bist du eine erfolgreiche Künstlerin. Was war die Inspirationsquelle deiner neuen Ausstellung, die zurzeit in der Galerie Karsten Greve in Paris gezeigt wird?

Die aktuelle Ausstellung zeigt den Sprung von meinen Werken, die hinter Plexiglas liegen, zu grossflächigen Bildern auf Leinwänden.

Ich wollte auf grossen Flächen arbeiten und sehen, wie es ist, richtige großflächige «Gemälde » zu machen.

Helen Frankenthaler, die die Vorder- und Rückseite eines Bilde verwendet hatte, hat mich dazu inspiriert sowie auch Clyfford Stills vertikale Kompositionen.

Diese großflächigen Gemälde werden fast zu Skulpturen. Du schneidest Ornamente aus oder feine Schnittlinien mit einem Skalpell hinein, die dann wieder zusammengesetzt werden, indem du mehrere Bilder miteinander verflechtest, und so ein dreidimensionaler Effekt entsteht mit außergewöhnlichen Bewegungen. Kannst du ein bisschen mehr dieses Konzept «kreativer Destruktion » beschreiben ?

Ich interessiere mich für die Hinterseite, die negative Seite von Materialen, und wie sie anders ist. Aber ich sehe das nicht als Zerstören, sondern eher wie ein Wiederaufbauen. Mich fasziniert die Idee, dass etwas seine Form geändert hat und nicht mehr zu seiner ursprünglichen Gestalt zurück kann.

Dieses Realisieren, dass es kein Zurück mehr gibt, erzeugt dann Emotionen. Diese Gefühle müssen nichts mit Verlust zu tun haben, sondern sie können auch etwas Befreiendes bewirken.

In deiner Arbeit wiederholst du immer wieder und mit grosser Präzision die gleiche Geste. Wie fühlst du dich, wenn du nach Stunden, Tage, Wochen dieses ständigen Wiederholens einer Bewegung dann mit einem Bild fertig bist ?

Diese Handbewegungen sind für mich alle sehr verschieden und gar nicht repetitiv, jeder Pinselstrich, jeder Einschnitt ist anders. Ich liebe es, total konzentriert an einer Komposition zu arbeiten. In diesen Momenten vergesse ich alles um mich herum, und alles woran ich denke sind Formen und ihre Effekte, Farbkombinationen, negativ und positiv, Vorderseite, Rückseite, Bewegungen.

Diese Bewegungen in deinen Bildern erinnern mich an eine Art Choreografie von Linien und Formen, an eine Art moderner Tanz. Ich denke besonders an die Tänzerin Isadora Duncan, die einmal sagte: « Lass nicht das Wilde in dir zähmen. » Was denkst du darüber?

Das ist ein super Zitat! Ich sollte mir das jeden Tag sagen!

Du lebst mit dem venezolanischen Künstler Raul Illarramendi zusammen. Fragst du ihn manchmal nach seinem Rat?

Ja, wenn wir Zeit haben!
Wir sind beide sehr beschäftigt und unser Tagesablauf ist sehr ausgefüllt. Aber wenn ich wirklich irgendwo hänge oder Zweifel habe, tut es immer gut, mit ihm darüber zu sprechen.

Und wenn es nun dein voller Terminkalender als Künstler und auch als Mutter erlaubt, gehst du bestimmt manchmal in Museen und Ausstellungen. Und stelle dir vor für eine Nacht im Louvre Museum eingesperrt zu sein! In welcher Abteilung würdest du die Nacht verbringen? 

Normalerweise gehe ich immer direkt zur Gemäldesammlung, aber erst kürzlich habe ich diese Gewohnheit gebrochen und bin in die Abteilung der assyrischen Ausgrabungen gegangen, wo ich auf die Schutzdämonenstatuen mit Stierkörper, Flügel und menschlichem Kopf gestossen bin, die auch Lamassu oder auch Schedu genannt werden. Ihre Geschichte und ihre Symbolik sind extrem faszinierend.

Was geht dir durch den Kopf, wenn du an den Iran denkst?

Ich denke hauptsächlich an die Künstlerin Schirin Neshat.

Kredit:
Fotos: Anahita Vessier
Text: Anahita Vessier
Übersetzung: Anahita Vessier

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RAUL ILLARRAMENDI, Spurenzeichner der Zeit

RAUL ILLARRAMENDI, Spurenzeichner der Zeit

Sobald man Raul Illarramendis Atelier betritt, spürt man die unglaubliche kreative Dynamik dieses venezolanischen Künstlers, der in seiner neuesten Werk zu seinen Wurzel zurückkehrt, nachdem er Venezuela vor 18 Jahren verlassen hatte. Fasziniert von den Spuren der Zeit und deren Identität, geht er in seiner derzeitigen Ausstellung “Offerings” dem 1967 beim Erdbeben in Caracas auf den Boden gefallenen Kirchenkreuz nach. Mit extremer Genauigkeit gibt er dessen in den Asphalt verewigten Abdruck wieder und beeindruckt den Betrachter mit seinem unglaublich zeichnerischen Können, das er auf eine ungewöhnliche Weise in seinen Bundstiftgemälden anwendet.

Raul Illarramendi ist viel gereist bevor er sich bei Paris niederließ, und nun dort mit seiner Frau der schottischen Künstlerin Georgia Russell und deren Kindern lebt und arbeitet. Seine Arbeiten werden regelmäßig in Solo- und Gruppenausstellungen in Europa, Lateinamerika und in den USA gezeigt.

 

Du bist aus Venezuela, wo du Assistent des Venezuelanischen Malers Felix Perdomo in Caracas warst, bevor du dann dein Kunststudium in Evansville in den USA fortgesetzt hast. Danach bist du nach Frankreich gezogen, um an der Jean Monnet Universität in Saint Etienne zu studieren und hast dort dein Studium mit einem MA abgeschlossen. Nun lebst und arbeitest du in Méru, in einem charmanten Ort nicht weit von Paris.  

Was für eine Reise rund um die Welt getrieben von deiner Leidenschaft für die Kunst !
Was hast du auf jeder deiner Stationen als Künstler gelernt?

Auch wenn ich in all diesen Ländern immer für längere Zeit gelebt habe, glaube ich nicht viel gereist zu sein. Verstehe mich nicht falsch, natürlich habe ich viele Orte bereist, aber es war letztendlich meine Arbeit, die den Anker gelegt hat. Ich mag es, die Identität eines Ortes aufzufangen und zu verstehen, und das braucht Zeit. Für mich schauen Künstler zuerst in ihr Inneres, bevor sie dann beobachten, was aussen um sie herum passiert. In meinem Fall muss ich zuerst meine Umgebung verstehen, um kreativ sein zu können. Jeder Ortswechsel, jedes Atelier brachte mir neue Erfahrungen und hat mir Neues beigebracht, was mich zu dem Künstler gemacht hat, der ich heute bin, mit all seinen Spuren, die dieser Lebensweg hinterlassen hat.

Genau um diese Spuren des Lebens geht es auch in deiner Arbeit, Spuren und ihre Geschichte, Spuren von Staub, Schmutz, Kratzer oder Fingerabdrücken auf Wänden, Türen, oder an anderen Stellen einer urbanen Umgebung, die Leute gewöhnlich wegwischen wollen. Du aber reproduzierst sie, und gibt sie sehr detailliert auf deine Art und Weise wieder.

Ja, aber für mich ist dieses Detail genau so wichtig wie das gesamte Bild. Vielleicht ist dies auch mein Fehler, das diese technische Dominanz den Betrachter zum Detail zieht.

Was diese Einzelheiten betrifft, so repräsentieren sie eine gewisse Identität, eine Absichtlichkeit, ein Missgeschick. Jede Spur, jeder Abdruck ist Zeuge eines persönlichen Ereignisses, eines Momentes, und auch wenn in meinem Fall dies wie eine fotografisches Wiedergabe erscheint, konstruiere ich diese Ereignisse und kontrolliere diese Missgeschicke, die dann ein Ganzes ergeben.

“Bei diesen von mir zusammengestellten Kompositionen denke ich eher an Spuren der Geschichte als an die Geschichte der Spuren.”

Seit dem Beginn abstrakter Kunst, schauen Künstler genauer auf diese Flecken und Spuren, um gewollt oder ungewollt, eine Gestalt darin zu finden.

Wenn wir schon von Missgeschicken reden, so magst du kleine ungeplante Unfälle während deiner Arbeit an einem Bild, die doch absolute Konzentration erfordern ? Oder bist du eher ein absoluter Control Freak, der sich an seinem Ausgangsplan hält. 

Nein, ich kontrollieren natürlich nicht alles. Nein.

Es stimmt, dass ich gerne in meinen Bildern, was die Technik betrifft, meine Grenzen überschreite. Künstler, die es geschafft haben, die Grenzen ihres Könnens bis zum kompletten Weglassen des Gebrauchs ihrer Hände geführt haben, beeindrucken mich. Ich kenne meine Grenzen und habe gelernt, dies nicht als Hindernis sondern sogar als ein zusätzliches Arbeitsinstrument zu betrachten. Wenn man alle technischen Probleme löst, dann gibt es keine Herausforderung mehr. Und Malen ist das Lösen von Problemen.

Und wenn du manchmal keine Lösung findest, fragst du deine Frau, die schottische Künstlerin Georgia Russell, um Rat?

Ja, wir gehen durch das Atelier des anderen, um unsere Meinungen abzugeben, besonders in sehr wichtigen Arbeitsphasen, zum Bespiel kurz vor einer Ausstellung, wenn wir alles hassen und Zweifel haben. Wir sagen, was gut ist, und was eine schlechte Wahl ist. Auch wenn ich zugeben muss, dass ich derjenige von uns beiden bin, der schlechter mit Kritik umgehen kann, so fühlen wir uns beide immer stärker nach diesen Diskussionen.

Deine neueste Ausstellung, die zurzeit unter dem Titel “Offerings” in der Galerie Karsten Greve in Köln gezeigt wird, behandelt die Spuren des vom Kirchturm gefallenen Kreuzes der Kathedrale in Caracas, das während des starken Erdbebens in 1967 passiert ist. War es für dich wichtig durch dieses Thema wieder eine Verbindung zu Venezuela Aufzugauen, das du vor 18 Jahren verlassen hast? 

Ja, die Entfernung und Zeit waren die Auslöser für diese Serie an Bildern. Wie viele meiner Themen hat sich auch dieses Projekt auf eine sehr unerwartete Weise ergeben. Die Voraussetzungen waren sehr einfach. Ein spirituelles Ereignis, das mit einem geschichtlichen verbunden ist, das wie eine symbolische Metapher zur aktuellen politischen Krise, die zurzeit in Venezuela herrscht, gesehen werden kann, sowie auch eine persönliche Verbindung und eine künstlerische Herausforderung.

“Ich habe vor zwei Jahren mit diesem Projekt angefangen, das mir in dieser Zeit sehr bedeutende Erfahrungen für das Lebens und der Geschichte gebracht hat, sowie auch wichtige Begegnungen mit Leuten und auch mit mir selbst. Dieses Projekt hat mir auf jeden Fall geholfen, wieder eine Verbindung mit meinem Geburtsort aufzubauen.”

Als ich dein Atelier besucht habe, ist mir aufgefallen, dass du, bevor du zu arbeiten anfängst, zuerst eine Schallplatte auflegst, um Musik zu machen. Ist für dich Musik wichtig beim Arbeiten ?

Ja, mir ist Musik sehr wichtig und begleitet mich überall. Wenn ich mir nicht meine Platten anhöre, dann höre ich Radio oder meine Hörbücher, die zurzeit meine einzige Literatur sind. Ich hänge sehr an meiner Schallplattensammlung, denn da ich in meiner Familie der jüngste unter den Kindern war , haben meine ältere Geschwister mir nie erlaubt, ihre Platten auch nur anzugreifen. Nun haben ich endlich meine eigenen.
In letzter Zeit höre ich gerne Isaac Sassons « Cantos Campesinos », der viele venezolanische Instrumente spielt, und Volksmusik mit traditioneller Musik mischt. Auch finde ich die türkische Band Altin Gün sehr cool, deren Musik mich richtig zum Tanzen bringt.

Was kommt dir in den Sinn, wenn du an den Iran denkst?

Meine Kenntnis über den Iran ist sehr begrenzt, aber ich denke an Rosenwasser und Safran und « Prince of Persia, das Video Game, das mich in den 90ern am meisten an den Bildschirm gefesselt hat. ich denke auch an an gute Freunde und schöne Menschen.

Auch wenn die Geschichte beider Länder sehr verschieden ist, so gibt es eine sehr feste Bindung zwischen Iran und Venezuela. Es wäre schön, wenn diese Verbindung auch über geopolitische Interessen hinausginge, und mehr ein Kulturaustausch wäre.

Iran ist ein Land, das ich sehr gerne bereisen würde.

Kredit:
Fotos: Anahita Vessier
Text: Anahita Vessier
Übersetzung: Anahita Vessier
Raul Illarramendi Instagram

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