JOSEPH ARZOUMANOV-DHEDIN – Der aus Träumen erschaffene Schatz

JOSEPH ARZOUMANOV-DHEDIN – Der aus Träumen erschaffene Schatz

Geboren im Jahr 2002, ist Joseph Arzoumanov-Dhedin ein Schmuck- und Stickkunst-Künstler. Nach renommierten Residenzen in Indien, Armenien, den Vereinigten Arabischen Emiraten, Usbekistan sowie an der Villa Albertine in den Vereinigten Staaten gilt Joseph als vielversprechende junge Hoffnung der französischen Kunstszene.

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Photo © Anahita Vessier

Joseph vergisst seine Träume nie.
 Jeder von ihnen nimmt einen bedeutenden Platz in seiner Vorstellungskraft ein. Reich an Emotionen, inspirieren und leiten sie seine künstlerische Praxis.

Alles beginnt mit einem Kindheitstraum, in dem ihm eine strahlende Sonne erscheint. Jenseits aller Deutung wird diese Sonne zum Symbol des Künstlers – sie findet sich als wunderbarer Anhänger um seinen Hals wieder, den er selbst gefertigt hat.

Photo © Anahita Vessier

Bereits im ersten Jahr an der École Duperré probiert Joseph eine Vielzahl von künstlerischen Techniken aus, darunter die Stickerei, die für ihn den Zugang zur Bildhauerei bedeutete. Schritt für Schritt entdeckt er die Goldschmiedekunst, dank der entscheidenden Begegnung mit einem Juwelier, der ihn in seine Geheimnisse einweihte.

Manteau de sacre - Photo © Joseph Arzoumanov-Dhedin

Seine einzigartige Praxis lässt in ihm eine außergewöhnliche Fantasie entstehen, die er treffend so beschreibt:

„Ich bin auf der Suche nach einem Schatz – dem Schatz, den sich ein Kind erträumt hätte und den ich erschaffe, weil ich ihn selbst nicht finden konnte, indem ich in der Erde grabe.“

Der Künstler gesteht, dass er sich so zugleich seinen früheren Wunsch erfüllt, Schatzsucher (Archäologe) zu sein, und seinem künstlerischen Bedürfnis nachgeht.

The Pharaonic Parure - Photo © Li Cam Vega

Gold, Diamanten, Rubine, Smaragde … Heute schwört Joseph nur noch auf die edelsten Materialien. Zwischen Goldschmiedekunst und Juwelierhandwerk erzählen seine Werke eine wunderbare Geschichte. Jede Figur, die er erschafft, jede Szene, die er bestickt, entspringt seinen Träumen. Vom Geiger bis zum Erzähler lädt uns Joseph ein in eine traumhafte, ebenso überraschende wie originelle Welt, in der Referenzen keine Grenzen kennen.

Photo © Anahita Vessier

Tatsächlich wurde der Künstler weltweit ausgebildet: Er modelliert in Armenien, webt in Indien und den Emiraten, stickt in Usbekistan, programmiert in den USA.

Diese Weltoffenheit verdankt er seiner Familie. Joseph wächst in einem französisch-russischen Haushalt auf, in dem die Einzigartigkeit beider Kulturen gefeiert wird. Als Nachfahre jüdischer und armenischer Exilanten fühlt sich Joseph als Weltbürger. Eine Zeit lang lebte er sogar mit seinen Eltern in Marokko, wo er ebenfalls künstlerische Inspirationen fand.

Auf die Frage nach seinem schönsten Schatz denkt er zuerst an sein Mausoleum – eine sechs Meter hohe Installation zwischen Skulptur und Stickerei. Dieses Werk sei für ihn „die perfekte Mischung aus Marokko, Russland und Frankreich“.

Le Mausolée - Photo © Pauline Verdié

Heute, im dritten Jahr an der École des Beaux-Arts in Paris, reflektiert der Künstler seine Techniken:

„Handwerk ist an der Kunsthochschule ein Schimpfwort, aber ich behaupte fest: Selbst in einer kleinen Stickerei, die sehr einfach erscheint, steckt ein unglaubliches Zufallselement, das den emotionalen Reichtum des Werks ausmacht.“

Auf die ewige Frage „Kunst oder Handwerk?“ antwortet er:
„Ich bin Künstler, aber ehrlich gesagt ist mir das egal.“

Für Joseph, der zwischen Juwelieren, Webern, Stickerinnen und seinen Kunsthochschulprofessorinnen lebt, ist die Unterscheidung bedeutungslos – eine Debatte, die es nicht geben sollte.

Photo © Anahita Vessier

Die Zukunft sieht vielversprechend aus für diesen jungen Künstler, dessen Residenzen sich aneinanderreihen und der viele Anfragen und Aufträge erhält. Während sein erster Film demnächst Premiere feiern wird, ist der zweite bereits in Arbeit. Auch ein Projekt in virtueller Realität ist in Entwicklung.

Im Anschluss an seine Residenz an der Villa Albertine im Jahr 2024 entwickelte Joseph ein surrealistisches Schachspiel, bei dem jede Figur von einem Roboterarm bewegt wird, den er gemeinsam mit Forschern des M.I.T. programmiert hat. Die Fertigstellung dieses neuen Schatzes steht kurz bevor – wir dürfen gespannt sein!

Kredit:
Coverfoto (Home) : Anahita Vessier
Text : Raphaël Levy

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DARIUS DOLATYARI DOLATDOUST: Fantasie erträumter Erinnerungen

DARIUS DOLATYARI DOLATDOUST: Fantasie erträumter Erinnerungen

Darius Dolatyari Dolatdoust, ist ein Künstler, Performer, Choreograf und Designer. Er wurde in Frankreich geboren und ist iranischer Herkunft. So weit er sich erinnern kann, bewahrt Darius die Erzählungen seines Vaters über sein Heimatland Iran – oder vielmehr das, was sein Vater im Schweigen ließ. Wie er selbst sagt, ist es die “klassische Geschichte eines Exilanten, der die Erinnerung an seine Vergangenheit auslöscht.”

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Photo © Simon Verjus

“Oh Wind, wenn du durch den Garten meiner Heimat ziehst, bringe mir einen Hauch ihres Duftes mit.”  Hafez von Shiraz (persischer Dichter des 14. Jahrhunderts)

So weit er sich erinnern kann, bewahrt Darius die Erzählungen seines Vaters über sein Heimatland Iran – oder vielmehr das, was sein Vater im Schweigen ließ. Wie er selbst sagt, ist es die “klassische Geschichte eines Exilanten, der die Erinnerung an seine Vergangenheit auslöscht.”

Aus den Augen seines Vaters geboren, ließ die Fantasie eines erträumten Irans in Darius den Wunsch wachsen, das Land zu entdecken, zu dem er sich zugehörig fühlt. Doch es ist ihm unmöglich, dorthin zu reisen, denn er riskiert den Wehrdienst und wegen seiner Homosexualität sogar die Todesstrafe.

Photo © Hubert Crabières

Gefangen in Frankreich, 6000 Kilometer entfernt von seinem Sehnsuchtsort, entdeckt er den Iran allein in den Gängen der persischen Abteilung des Louvre-Museums: “Für mich war das die einzige Verbindung, die ich zur iranischen Kultur hatte.”

Wearing The Dead (2020) Photo © Darius Dolaytari Dolstdoust

Aus dieser Begegnung entstand die Performance Wearing the Dead (2020), in der der Künstler zusammen mit anderen Performer:innen Kostüme trägt, die von den persischen Skulpturen des Louvre inspiriert sind. Damit setzt er sich mit seinem Erbe und seiner persönlichen Suche auseinander, die er so zusammenfasst:

“Das Kostüm ist eine Reise, eine Brücke zwischen einer Kultur, die ich geerbt habe, und der, die ich mir erträume.”

Wearing the dead (2020) Photo © SImon Verjus

Darauf folgte die Produktion einer Reihe von Filzarbeiten innerhalb der Installation Daddy’s Temple (2024), in der Darius Szenen aus Archivbildern seines Vaters und seiner unbekannten Familie rekonstruiert. Die Werke sind hybride Collagen, inspiriert von diesen Familienfotos sowie von den Architekturen der iranischen Städte wie Rasht und Teheran, die sein Vater einst kannte. Für Darius ging es darum, “falsche Erinnerungen oder seine eigenen [die seines Vaters] neu zu komponieren.”

Daddy's temple (2024) Photo © Darius Dolatyari Dolatdoust

Von den Kostümen bis hin zu den Filzarbeiten zeigt sich das Interesse des Künstlers am Körper, an Stoffen und an Mode – eine Faszination, die er an der École Duperré kultivierte, wo er Nähen und Bekleidungstechnik erlernte. Doch schnell ekelte ihn die Modewelt an, sowohl aus ethischen Gründen im Hinblick auf die Objektifizierung von Körpern als auch aus ökologischer Sicht. Er begann, seine Praxis in Richtung Textilskulptur neu auszurichten, bevor er sich schließlich der Performance und Choreografie zuwandte.

Dressing (2022) Photo © Romy Berger

Den menschlichen Bezugspunkt lehnt der Künstler jedoch nicht vollständig ab, sondern entwickelt parallel zur ersten auch eine zweite Fantasie: jene des männlichen Körpers. In Positionen der Verletzlichkeit begegnen sich diese Körper in einer Ambivalenz zwischen Kampf und Begehren – eine Spannung, die durch die Flüchtigkeit der Filztechnik verstärkt wird.

Photo © Darius Dolatyari Dolatdoust

Über das Materielle hinaus verleiht der Tanz den Kostümen und dem szenischen Ausdruck eine Seele. Darius choreografiert seine Performances, um die verkörperte Kraft des Kostüms offenzulegen. Für ihn ist es nicht die Präzision der Bewegung, die zählt, sondern vielmehr die Frage: “Wie kann eine Bewegung interpretiert werden? Wie wird sie in Raum und Zeit wahrgenommen, und welche Resonanzen erzeugt sie?”

Flags Parade (2022) Photo © Paul Rousteau

Darius Dolatyari Dolatdoust, ein vielseitiger Künstler, experimentiert mit verschiedenen Medien und Formaten und hinterfragt sowohl die Plastizität des Werks als auch die des Erzählens. Seine auf den ersten Blick introspektive Praxis offenbart die universelle Menschlichkeit: die Suche nach Identität, die Fragilität einer Erinnerung, die Durchlässigkeit der Spezies.

Kredit:
Coverfoto  (Home) : Darius Dolatyari Dolatdoust
Text : Raphaël Levy

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MONA OREN, Poesie aus Wachs

MONA OREN, Poesie aus Wachs

Bildhauerin, Wachskünstlerin, Performerin, Malerin – es fehlen die Worte, um die Praxis dieser Künstlerin zu beschreiben, die 2018 mit dem Prix Liliane Bettencourt pour l’Intelligence de la Main® ausgezeichnet wurde und kürzlich an der Villa Kujoyama eine Kunstresidenz verbracht hat.

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„Mignonne, allons voir si la rose…“ – diese Rose von Ronsard erinnert uns alle an unsere Sterblichkeit, ein memento mori, das uns an die Vergänglichkeit der Zeit gemahnt. Die Blume steht zudem für das Flüchtige, das uns ermutigt, den Tag zu schätzen – etwas, das Mona Oren verstanden und tief verinnerlicht hat. Archäologische Funde zeigen, dass Wachs überdauert und die Zeit überlebt. Diese große Beständigkeit brachte Mona während ihres Studiums an den Pariser Beaux-Arts Anfang 2000 dazu, sich dem Wachs zu widmen.

Photo © Ivana Kalvacheva

Von einer Blume zur nächsten bietet Mona Oren mit einem fast demiurgischen Gestus das ewige Leben.

Ob Iris, Tulpen oder Stiefmütterchen – es sind Tausende. Transformiert, übersteigert, abgeschwächt – die getreue Nachbildung des Modells interessiert die Künstlerin wenig. Formen und Farben entspringen bei ihr spontan. Aus Wachs formt und belebt Mona ein Feld von ewigen Blumen, deren scheinbare Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit im Kontrast zu ihrer wahren Haltbarkeit und Widerstandsfähigkeit stehen.

Photo © Ivana Kalvacheva

Von ihrer ewigen Inspirationsquelle Georgia O’Keeffe hat Mona Oren über die Körperlichkeit und Sinnlichkeit der Blüten nachgedacht, die das Wachs so treffend wiedergeben kann, dank seiner Fähigkeit, den Abdruck in Transparenz und Zartheit zu bewahren, aber auch seiner Nähe zur Haut.

„In den Blumen habe ich eine Möglichkeit zur Verwandlung zwischen der Pflanze und dem Menschen gefunden.“

Anthropomorph sind diese Blumen ein Abbild von uns selbst, jede mit ihren Farben, ihren Makeln, ihren Narben… Diese Kreationen sollen, so die Künstlerin, „überraschend“ sein, denn sie möchte „Stillleben schaffen, die Staunen hervorrufen“.

Photo © Ivana Kalvacheva

Für Mona Oren ist es das Ergebnis einer langen Auseinandersetzung mit der Natur, insbesondere mit den Blumen, die „schon immer da sind“ und mit einem gesamten Ökosystem koexistieren. Umwelt und Natur sind ein wichtiger Aspekt ihrer Arbeit, zu der auch mehrere ortsgebundene Performances zwischen 2002 und 2021 gehören.

Unter dem Namen Dead Sea Project vereint diese Serie von Performances rund um das Tote Meer in Israel ihre Arbeit mit Wachs und ihre Naturverbundenheit. In “Dead Sea” (2002) lässt die Künstlerin Wachblumen im Meer treiben, die in dieser lebensfeindlichen, aber nicht leblosen Umgebung das Leben verkörpern sollen, was durch die Pflanzen zum Ausdruck kommt, die „in ewiger Bewegung treiben“.

Für ihr Werk „Cocoons I & II“ (2019) baute Mona metallene Strukturen, die sie mit Wachs überzog und zwei Wochen lang in das Tote Meer tauchte. Das Ergebnis sind von Salz kristallisierte Kokons, die zwischen natürlichem Prozess und künstlerischer Hand ein Werk von „vier Händen geschaffen“ entstehen lassen, das an die Schönheit der Welt erinnert.

Von Ronsard über Post-Land-Art bis hin zu Georgia O’Keeffe hinterfragt Mona Oren das Wachs, den Körper, die Natur und sich selbst. Ihre vielseitigen Werke haben alle einen gemeinsamen Nenner: das Verhältnis zu sich selbst und zur Welt.

Kredit:
Coverfoto (Home) : Ivana Kalvacheva
Text : Raphaël Levy

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ANAHITA, Persische Gottheit

ANAHITA, Persische Gottheit

Anahita war die altpersische Göttin des Wassers, der Fruchtbarkeit, die Schutzpatronin der Frauen aber auch die Göttin des Krieges. Sie wird mit dem Planeten Venus assoziiert und viele Jahrhunderte lang im perisischen Reich verehrt.

Anahita war in goldene Kleider gehüllt, ihre Name bedeutet auch « die Makellose ». Sie war reich geschmückt mit Juwelen und trug eine Lichtkrone oder ein mit Diamanten besetztes Diadem am Haupt. Man nannte sie auch die « Goldene Mutter ».

Kredit:
Alle Fotos: Romain Guillon
Models: Roxane Lagache, Florinda Harvey
Make-up: Carole Hannah
Text: Anahita Vessier

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